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Autor: Equipe MOV8

  • Deafkids lança disco novo e transforma ruído, corpo e futuro em linguagem

    Deafkids lança disco novo e transforma ruído, corpo e futuro em linguagem

    Em conversa no Francamente, Mariano fala sobre o novo álbum da banda, as cicatrizes deixadas pela tecnologia, a retomada das turnês e a construção de um som cada vez mais eletrônico e orgânico.

    O Deafkids nunca foi uma banda fácil de colocar em uma caixa. Punk, eletrônico, percussivo, industrial, psicodélico, afrolatino, experimental: qualquer definição parece funcionar por alguns segundos, até o som escapar por outro caminho.

    De volta ao Francamente, em conversa com Tainan Franco, Mariano falou sobre o novo disco da banda, lançado 29 de maio, depois de um intervalo sem álbum cheio de estúdio desde 2019. No caminho, a conversa passou pela pandemia, pelas turnês internacionais, pelo processo de composição à distância, pelas novas formas de tocar ao vivo e por um mundo atravessado por redes sociais, inteligência artificial, apatia e excesso de ruído.

    Duas faixas já estavam na pista antes do lançamento, “Cicatrizes” e “Reflexo”, abrindo caminho para um trabalho que parece levar adiante aquilo que o Deafkids sempre fez: transformar inquietação em som.

    Depois da pausa, o movimento

    Em 2019, o Deafkids vivia um dos períodos mais ativos de sua trajetória. A banda passou pela Europa, pelos Estados Unidos e pelo Canadá, em uma sequência intensa de shows e projetos. Havia turnês marcadas para 2020, inclusive com previsão de passagem pelo México, mas a pandemia interrompeu o movimento praticamente às vésperas da estrada.

    O que veio depois foi um período de reorganização. A banda lançou EPs feitos à distância e também incorporou músicas criadas para o jogo Cyberpunk 2077. Mas ainda faltava um registro que desse conta da nova configuração sonora do grupo.

    Esse novo disco surge justamente daí: da vontade de condensar o que mudou desde então. Mudaram os integrantes, os lugares, os instrumentos, as formas de tocar, as camadas eletrônicas, a presença da percussão ao vivo e a relação com o palco.

    Eletrônico, orgânico e tocado com o corpo

    Mariano define bateria e percussão como seus instrumentos nativos. Mesmo quando está tocando baixo, teclas, efeitos ou outras camadas, é essa lógica rítmica que parece informar seu jeito de fazer música.

    No novo disco, essa característica aparece com força. O trabalho é descrito como o álbum mais eletrônico do Deafkids, mas também como um dos mais orgânicos. A contradição é só aparente: muitos sons eletrônicos são tocados humanamente, com instrumentos, controladores, percussões e gestos físicos. Como resume a própria conversa, há ali couro, madeira, metal e plástico.

    O resultado é uma música de textura. Uma música que não se organiza pela lógica convencional de verso e refrão, mas por camadas, sinais internos, ciclos, estouros, secagens, crescimentos e cortes. Em vez de conduzir o ouvinte por um caminho previsível, o Deafkids parece criar um ambiente em constante transformação.

    É som para ouvir, mas também para tentar entender de onde vem. E talvez por isso o palco seja parte tão importante da experiência: ver o Deafkids ao vivo é também acompanhar uma espécie de investigação visual, tentando descobrir quem está produzindo cada ruído, cada pulso, cada virada.

    Cicatrizes do futuro

    O título e a ideia de “Cicatrizes do Futuro” aparecem na entrevista como uma chave para compreender o disco. Não se trata apenas das marcas que carregamos do passado, mas também das marcas produzidas por um futuro que já começou a nos atravessar.

    Mariano fala das redes sociais, da dependência das plataformas, da inteligência artificial generativa, da deterioração do debate público e da dificuldade crescente de lidar com nuance, ironia, contexto e linguagem. O disco nasce desse mal-estar: um mundo em que estamos cada vez mais indignados, mas também cada vez mais paralisados.

    Nesse sentido, o som do Defkids parece incorporar essa tensão na própria forma: ruído, repetição, excesso, quebra, dança, colapso, corpo e máquina convivendo no mesmo espaço.

    É como se o disco perguntasse que tipo de marca o futuro já está deixando em nós — e que tipo de resposta ainda conseguimos produzir com o corpo.

    Um som que não quer virar algoritmo de si mesmo

    Uma das ideias mais fortes da conversa é a recusa de transformar referência em ponto de chegada. Mariano fala sobre música indiana, guinaua do Marrocos, música afrolatina, punk, música industrial e outras tradições não como modelos a serem copiados, mas como tecnologias de criação.

    O Deafkids parece se alimentar dessas linguagens sem tentar reproduzi-las de forma decorativa. Há uma espécie de “desrespeito respeitoso”: conhecer o suficiente para poder deslocar, inverter, tensionar e criar outra coisa.

    Essa postura ajuda a explicar por que a banda continua soando difícil de classificar mesmo depois de tantos anos. O objetivo não é se tornar homenagem de um gênero, nem repetir a própria fórmula. É seguir atravessando referências até que elas virem outra coisa.

    Como aparece na conversa, a banda segue “metendo louco” há 16 anos. E talvez seja justamente aí que esteja sua coerência.

    Um disco para um tempo inquieto

    O novo álbum do Deafkids chega em um momento em que muita coisa parece pedir simplificação: músicas mais curtas, conteúdos mais rápidos, imagens mais diretas, discursos mais fechados. A banda faz o caminho contrário. Cria um trabalho denso, físico, eletrônico, percussivo e cheio de camadas.

    Não é um disco que tenta acalmar o presente. É um disco que assume o atrito. Que transforma a ansiedade do tempo em ritmo, a saturação das redes em ruído e a sensação de futuro danificado em linguagem.

    No Francamente, Mariano ajuda a revelar o que há por trás desse som: estrada, pesquisa, improviso, técnica, colaboração, política, tecnologia e uma vontade contínua de não deixar a música se acomodar.

    O Deafkids volta com um álbum cheio, mas sem voltar ao mesmo lugar. O que retorna é o movimento.

    Assista aqui:

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  • OBMJ: música jamaicana à brasileira, feita para dançar

    OBMJ: música jamaicana à brasileira, feita para dançar

    Em conversa no Francamente, Sérgio Soffiatti e Felipe Pipeta falam sobre a trajetória da Orquestra Brasileira de Música Jamaicana, o Cine OBMJ e os caminhos de uma banda que mistura baile, cinema e ska.

    A Orquestra Brasileira de Música Jamaicana já carrega uma ideia inteira no próprio nome. É orquestra, mas não no sentido “solene” da palavra. É brasileira, mas atravessada por ritmos jamaicanos. É grande no nome, na formação, no som e no projeto de transformar repertórios conhecidos em música para dançar.

    No Francamente, em conversa com Tainan Franco, Sérgio Soffiatti e Felipe Pipeta falaram sobre a origem da OBMJ, a relação com o ska, o reggae e a música jamaicana, os desafios de manter uma banda numerosa em atividade e o show Cine OBMJ, apresentado no Sesc Jundiaí.

    A conversa começa com bom humor — como costuma acontecer quando o Francamente recebe artistas que já chegam em clima de bastidor —, mas logo revela algo importante sobre a banda: por trás da leveza, existe pesquisa, direção artística e um compromisso sério com a música popular.

    Uma orquestra de baile

    A OBMJ nasceu do encontro entre músicos que já circulavam pela cena ska e pela música jamaicana em São Paulo. Sérgio vinha da banda Skuba; Pipeta, do Sapo Banjo. A amizade, a convivência e a afinidade musical foram aproximando os dois até que, em 2005, surgiu a ideia de criar uma big band dedicada à música jamaicana.

    A referência vinha de grupos como os Skatalites, uma espécie de matriz para quem pensa a música jamaicana com sopros, peso, balanço e formação numerosa. Mas a OBMJ não queria apenas copiar uma sonoridade de fora. A pergunta que moveu o projeto foi outra: se bandas do mundo inteiro faziam versões de músicas brasileiras em ritmos jamaicanos, por que músicos brasileiros não poderiam fazer isso a partir daqui?

    Foi dessa ideia que nasceu a Orquestra Brasileira de Música Jamaicana: uma banda que olha para a tradição jamaicana, mas responde com sotaque próprio, humor, pesquisa e repertório brasileiro.

    E o termo orquestra entra justamente aí: como referência às antigas orquestras populares, às bandas de baile, aos grupos que faziam o público dançar em clubes e salões.

    O compromisso com a dança

    Ao longo da entrevista, Sérgio e Pipeta deixam claro que a banda tem um compromisso central: fazer o público dançar. Essa busca orienta os arranjos, a escolha do repertório e o modo como a OBMJ se relaciona com a música jamaicana.

    Os sopros assumem função quase vocal, conduzindo temas e melodias. A base precisa ser firme, repetitiva, simples na medida certa, capaz de sustentar o transe do ritmo. Há uma atenção ao minimalismo, à batida, ao espaço entre os instrumentos e àquilo que “bate sem doer” — música que entra no corpo, fica ali e move as pessoas.

    Essa escolha também ajuda a explicar a longevidade da banda. Manter nove músicos na estrada, com projetos paralelos, agendas diferentes e uma logística complexa, não é simples. Mas a OBMJ parece se sustentar justamente por combinar direção artística, amizade, humor e uma visão clara de projeto.

    Do ska ao cinema

    O show Cine OBMJ, tema da apresentação no Sesc Jundiaí, abre outra camada da banda: a relação com trilhas sonoras e memória afetiva. A proposta leva temas do cinema para o universo jamaicano, criando versões em ska, reggae e outros ritmos associados à sonoridade do grupo.

    A ideia funciona porque trilha de filme também é memória coletiva. Há temas que atravessam gerações, mesmo quando as pessoas não sabem nomear seus compositores. Ao trazer essas músicas para o corpo dançante da OBMJ, a banda aproxima cinema, baile e cultura pop de um jeito inesperado.

    Na entrevista, essa conversa se desdobra em uma reflexão sobre o tempo de escuta. Em uma época marcada por vídeos curtos, lançamentos acelerados e músicas transformadas em pequenos recortes para redes sociais, projetos como o Cine OBMJ lembram que algumas experiências precisam de mais duração. Um tema musical, um arranjo, um show e uma memória afetiva não se esgotam em 15 segundos.

    Uma banda grande em tempos pequenos

    A OBMJ também fala, inevitavelmente, sobre mercado. Manter uma banda autoral, numerosa e de nicho em atividade exige muito mais do que talento. Exige estrada, produção, gestão, negociação, lançamento, divulgação e uma dose constante de sobrevivência.

    A conversa passa por streaming, remuneração injusta, dificuldade de circulação, festivais conservadores e a sensação de que muitos artistas independentes vivem tentando acompanhar uma máquina que exige novidade o tempo todo.

    Ainda assim, a banda segue criando. Além do Cine OBMJ, há projetos como OBMJ Jazz, o show baile, novos lançamentos e ideias futuras, incluindo um projeto infantil e o bem-humorado Reggae Conniff, inspirado em Ray Conniff.

    Essa disposição para inventar novos formatos mostra uma banda que amadureceu sem perder o espírito de brincadeira. A OBMJ sabe rir de si mesma, mas também sabe o que está fazendo.

    Música para alimentar almas

    Talvez a melhor definição da OBMJ apareça quando os convidados falam do palco. No show, dizem eles, os boletos e problemas ficam do lado de fora. O que importa é a alegria de tocar junto, colocar o público para dançar e alimentar as almas de quem está ali.

    Essa frase resume algo essencial: a Orquestra Brasileira de Música Jamaicana não trata a música apenas como repertório, estilo ou pesquisa. Trata como encontro. Um encontro entre Brasil e Jamaica, entre baile e cinema, entre sopros e memória, entre músicos que escolheram continuar fazendo exatamente aquilo em que acreditam.

    E, quando uma banda consegue transformar tudo isso em dança, o nome grande deixa de parecer exagero.

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  • Guilherme Ribeiro transforma memórias do interior em música instrumental

    Guilherme Ribeiro transforma memórias do interior em música instrumental

    Em conversa no Francamente, músico, arranjador e acordeonista fala sobre trajetória, acordeon, música popular e o lançamento do EP Bodoque Requer Traquejo.

    A música de Guilherme Ribeiro parece nascer de um ponto de encontro: entre o conservatório e a rua, entre o piano e o acordeon, entre a música popular brasileira e as memórias de uma infância no interior paulista. Músico, arranjador, compositor, pianista e acordeonista, ele esteve no Francamente, em conversa com Tainan Franco, para falar de sua trajetória e do lançamento do EP Bodoque Requer Traquejo.

    Filho de músico, Guilherme cresceu em Agudos, no interior de São Paulo, em uma casa onde instrumentos, partituras e repertórios faziam parte do cotidiano. O pai, músico de baile e pianista, foi uma presença decisiva nessa formação. O primeiro caminho veio pelo conservatório, pelo piano e pela música erudita; depois, na Unicamp, a música popular passou a ocupar um lugar cada vez mais central.

    Foi nesse processo que o acordeon entrou de vez em sua vida. Embora o instrumento já estivesse presente na memória familiar, ele só se tornou parte de sua identidade musical mais tarde, durante a vivência universitária e a participação em grupos de música popular.

    A música instrumental como conversa

    Na entrevista, Guilherme fala da música instrumental sem tratá-la como algo distante ou reservado a especialistas. Para ele, há uma dimensão emocional no som que independe da letra. A escuta pode chegar pela melodia, pelo timbre, pelo gesto, pela presença do instrumento.

    Esse ponto é importante porque ajuda a desfazer uma ideia comum: a de que música instrumental seria “música para músico”. Guilherme lembra que muitas pessoas se emocionam com esse repertório mesmo sem conhecer teoria musical ou sem ter familiaridade com o gênero. A diferença, muitas vezes, está em ser apresentado a esse universo.

    Talvez por isso ele também dê tanta importância às histórias por trás das composições. Ao contar de onde vem um título, uma expressão ou uma imagem, o músico abre uma porta de entrada para o público. A música segue sem letra, mas ganha contexto, afeto e paisagem.

    Bodoque Requer Traquejo

    O novo EP, Bodoque Requer Traquejo, nasce justamente desse encontro entre música e memória. Beneficiado pela PNAB de Jundiaí, o projeto reúne cinco faixas instrumentais compostas especialmente para o disco, tendo o acordeon solo como centro.

    Guilherme define o trabalho como um conjunto de “canções interioranas”. A ideia era revisitar um universo ligado ao interior, às expressões familiares, aos sons de infância e a uma musicalidade que atravessa forró paulista, polca, choro e baião.

    O título já carrega esse espírito. “Bodoque” vem da forma como se fala “estilingue” em Agudos, palavra que puxa uma memória local, afetiva e linguística. Ao longo do EP, outros nomes seguem essa lógica de colecionar expressões e pequenas histórias: “Cois qui esse?”, “Borocoxôxo“, “Assim, de Chofre!” e “Viravento” aparecem na conversa como exemplos de um repertório que nasce também da língua falada, da vida doméstica e das invenções do cotidiano.

    Esses títulos ajudam a construir uma escuta — antes mesmo de ouvir a faixa, o público já entra em contato com um universo: uma palavra de casa, uma expressão antiga, uma frase dita sem querer, uma lembrança transformada em música.

    Entre técnica, processo e escuta

    Ao falar de composição, Guilherme mostra um artista atento ao processo. Algumas ideias vêm da “gaveta”, aquela pasta onde ficam fragmentos, gravações e intuições ainda sem forma definida. Outras nascem sob pressão, a partir de um projeto, de um desafio ou de uma entrega concreta.

    Essa relação com a composição também aparece em sua vida como professor. Guilherme conta que leva ideias para a sala de aula, testa materiais com alunos e usa esse espaço como laboratório de escuta. O ensino, nesse sentido, não fica separado da criação: um alimenta o outro.

    Na trajetória do músico, também há discos autorais, trabalhos como arranjador, projetos com cantores, participações internacionais e passagens por festivais no Canadá, Estados Unidos, França, Bélgica, África do Sul e Itália. Mas o que parece atravessar tudo isso é a busca por dar unidade a cada projeto, como uma fotografia de determinado momento artístico.

    Uma fotografia de 2026

    Bodoque Requer Traquejo aparece, então, como a fotografia de um Guilherme Ribeiro em 2026: um músico maduro, com ampla experiência de palco, estúdio e sala de aula, olhando novamente para o interior, para o acordeon e para as palavras que formaram sua escuta.

    É um trabalho que não tenta separar técnica e afeto. Ao contrário: junta composição, memória, instrumento e linguagem para lembrar que a música instrumental também conta histórias — às vezes sem dizer uma palavra.

    Assista à entrevista no Youtube:

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  • Aury Porto e o teatro como memória viva

    Aury Porto e o teatro como memória viva

    Em conversa no Francamente, ator, diretor e dramaturgo fala sobre trajetória, Teatro Oficina, “Meu Nome, Mamãe” e o podcast Perdigoto.

    Há artistas que falam de teatro como profissão. Outros falam como quem fala de uma forma de existir. Aury Porto parece estar mais perto desse segundo grupo. Ator, diretor, dramaturgo e ativista cultural, ele esteve no Francamente, em conversa com Tainan Franco, para revisitar uma trajetória marcada por deslocamentos, encontros, processos coletivos e uma relação profunda com a memória.

    Nascido no Ceará, Aury conta que o teatro apareceu cedo, embora não fosse um caminho óbvio em sua família. Vindo de um ambiente ligado à roça, à terra e aos animais, ele reconhece hoje pequenas sementes artísticas espalhadas pela própria história familiar: o avô que sabia longos poemas de cor, a memória dos “dramas” encenados por mulheres no sertão, o gosto pela novidade herdado do pai. Antes de virar profissão, a arte já estava ali como modo de narrar, cantar, e olhar o mundo.

    A chegada a São Paulo, em 1987, foi decisiva. Aury diz ter sentido que a cidade era sua casa. Em pouco tempo, encontrou sua geração teatral, participou de montagens importantes e passou a construir uma carreira atravessada por experiências coletivas. Mais tarde, com a Mundana Companhia, criada ao lado de Luah Guimarãez, consolidou uma forma de trabalho aberta, horizontal e mutável, capaz de se reorganizar a partir de cada projeto.

    Um dos momentos mais marcantes da conversa é a lembrança do Teatro Oficina e da montagem de Os Sertões, de Euclides da Cunha. Aury conta que a ideia de montar a obra no Oficina passou por ele e chegou a Zé Celso, iniciando um processo que se estendeu por anos e resultou em cinco espetáculos: A Terra, O Homem I, O Homem II, A Luta I e A Luta II. Ao todo, foram cerca de 25 horas de teatro – uma travessia artística, física e política.

    Mas o centro mais sensível da entrevista está em Meu Nome, Mamãe, espetáculo em que Aury leva ao palco sua relação com a mãe, que vive com Alzheimer há muitos anos. Ele conta que, durante muito tempo, resistiu à ideia de transformar essa experiência em cena. Era preciso encontrar o ponto em que uma história íntima pudesse se comunicar com outras pessoas, sem virar apenas exposição privada.

    Esse ponto apareceu quando a peça passou a dialogar com uma questão coletiva: o envelhecimento da sociedade brasileira. A partir daí, a relação entre mãe e filho se tornou também uma reflexão sobre cuidado, memória, velhice, linguagem e presença.

    A dramaturgia de Meu Nome, Mamãe nasce da autoficção. Os fatos são reais, mas a cena reorganiza acontecimentos, desloca tempos e cria uma estrutura mais próxima da forma como a memória se comporta. Aury fala do Alzheimer como uma espécie de roteiro surrealista: lembranças se misturam, tempos se atravessam, palavras escapam e outros modos de comunicação aparecem. O teatro, então, surge como espaço para acolher aquilo que já não cabe na lógica comum da fala.

    A dimensão sonora também é importante na peça. Aury lembra que esta dimensão é uma das últimas memórias a se perder. Por isso, a sonoplastia parte de referências afetivas da mãe, especialmente Roberto Carlos e Luiz Gonzaga. A música entra como acesso a uma memória que ainda pulsa.

    Na conversa, Aury também fala do Perdigoto, podcast dedicado à memória do teatro brasileiro. Com 25 episódios já realizados, o projeto busca registrar histórias de artistas de diferentes regiões do país, fugindo da centralização no eixo Rio-São Paulo. Para Aury, ouvir o teatro feito em outros lugares é reencontrar o Brasil em suas vozes, sotaques, invenções e formas de resistência.

    Entre o Ceará e São Paulo, entre o Oficina e a Mundana, entre a mãe e a cena, Aury Porto reafirma o teatro como lugar de memória viva. Uma arte que não serve apenas para distrair, mas para provocar, elaborar, reunir e devolver às pessoas novas formas de sentir o tempo.

    Assista no Youtube.

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  • Programa Francamente: cultura independente também precisa circular

    Programa Francamente: cultura independente também precisa circular

    Em seu oitavo ano e com mais de mil programas produzidos, o Francamente se consolida como um acervo vivo da cultura independente, reunindo histórias, artistas e cenas que ajudam a contar a vida cultural de Jundiaí e região.

    Quem faz arte de forma independente sabe que o palco é um dos lugares mais honestos do mundo. Ali, não há muito truque: é o artista, sua presença e a troca real com o público.

    Mas quando as luzes se apagam e o show precisa seguir para o mundo digital, a lógica muda. Entramos no terreno dos algoritmos, das métricas e de uma disputa por atenção que costuma premiar o conteúdo fácil, a fofoca rápida e o clickbait em vez da escuta, da memória e da profundidade.

    Aqui na MOV8, o Programa Francamente fez uma escolha consciente desde o início: amplificar a voz de quem tem algo a dizer.

    Criado há sete anos, o Francamente nasceu no rádio e sempre esteve também no YouTube e em outras plataformas digitais. Depois da pandemia, passou a ser gravado nos estúdios da MOV8, mantendo sua retransmissão na Rádio Difusora e chegando também a diversas rádios comunitárias pelo Brasil.

    Ao longo dessa trajetória, ultrapassou a marca de mil programas produzidos. Pelo programa já passaram artistas de reconhecimento nacional e internacional. Mas, acima de tudo, o Francamente abriu espaço para a efervescência das garagens, das bandas locais, dos artistas independentes, dos produtores culturais, dos pesquisadores, dos comunicadores, dos representantes de coletivos e de tantas pessoas que ajudam a contar a história viva da região.

    Construir essa vitrine audiovisual exige constância, curadoria e cuidado. E fazemos isso porque acreditamos que uma cidade também se reconhece pelas conversas que registra, pelas cenas que valoriza e pelas histórias que decide não deixar passar em silêncio.

    Esse registro, no entanto, não termina quando a câmera desliga. Uma entrevista publicada hoje pode ser descoberta amanhã, reencontrada daqui a alguns anos, usada como memória de uma cena, de uma geração, de uma cidade. Para isso, ela precisa circular.

    O verdadeiro boca a boca digital

    Muitas vezes, caímos na armadilha de achar que o trabalho termina quando o link do YouTube vai ao ar. Esperamos que a plataforma faça, sozinha, a mágica da distribuição.

    Mas o algoritmo não entende o valor poético de uma letra, o percurso de uma banda independente ou a importância de uma conversa para a memória cultural de uma cidade. Ele responde a sinais: visualizações, comentários, curtidas, compartilhamentos, tempo de exibição.

    Quando alguém passa pela nossa bancada e espera que a plataforma faça todo o resto, algo se perde no caminho. A força de uma cena cultural de nicho raramente vem de grandes patrocínios comerciais, impulsionamentos ou anúncios pagos. Ela depende, sobretudo, do trabalho de formiga da própria comunidade.

    O Francamente é um espaço construído com aqueles que se sentam à nossa mesa, com o público que acompanha, com quem comenta, compartilha, indica, volta para assistir e ajuda a fazer circular uma cultura com mais substância.

    Com o Portal MOV8, passamos a ampliar ainda mais o alcance dessas conversas, transformando entrevistas em matérias, registros, reflexões e conteúdos editoriais com mais contexto. A ideia é não esperar que outros veículos reconheçam o valor dessas histórias para só então fazê-las circular. Nós mesmos estamos criando novos caminhos para que elas cheguem a mais pessoas. Uma conversa gravada no Francamente pode virar memória, pauta, notícia, reflexão cultural e ponto de partida para novos encontros.

    Como você pode fazer a diferença hoje?

    Se a nossa comunidade não regar o próprio jardim, a cena local enfraquece. Apoiar o espaço onde você — ou seus amigos de profissão — se apresentam passa por atitudes simples, mas capazes de mudar o alcance de um vídeo, de uma entrevista, de uma matéria e de toda uma rede de produção cultural.

    Engaje o conteúdo.
    Viu a entrevista nas plataformas digitais? Deixe o gostei e gaste 30 segundos escrevendo um comentário real. Isso ajuda a mostrar para a plataforma que aquele conteúdo importa.

    Fortaleça o colega de bancada.
    Se você é músico, artista, produtor cultural, pesquisador, comunicador ou simplesmente alguém que já passou pelo Francamente, não divulgue apenas o seu episódio. Compartilhe também a entrevista da outra banda da cidade, da artista que lançou um projeto novo, do produtor que está movimentando a cena, da pesquisadora que trouxe uma boa reflexão, do convidado que contou uma história importante. O público deles pode se tornar também o seu público amanhã.

    Espalhe no analógico.
    Mande o link daquela entrevista bonita, densa ou divertida no grupo de WhatsApp da família, dos amigos do trabalho, dos colegas de banda, de quem realmente gosta de música, cultura e boas conversas.

    Nadar contra a correnteza dos conteúdos vazios da internet tem um custo alto — incluindo o custo de não agradar ao algoritmo. Mas é também uma forma de preservar identidade, memória e presença cultural.

    O espaço está aberto. Os microfones continuam ligados. As conversas seguem sendo gravadas. Mas o alcance desse som depende do eco que cada um de nós ajuda a produzir nas ruas e nas redes.

    O Francamente é feito com quem senta à mesa, com quem acompanha de casa e com quem acredita que essas histórias merecem seguir circulando.

    Vamos fazer esse som circular?

  • IARAH: a jovem voz do rock que aprendeu a cantar a própria história

    IARAH: a jovem voz do rock que aprendeu a cantar a própria história

    Em conversa no Francamente, artista fala sobre infância no palco, amadurecimento vocal, oportunidades internacionais e a nova fase autoral em português.

    Antes de transformar suas próprias histórias em música, Iarah aprendeu a habitar o palco por muitos caminhos. Foi criança fã de Kiss, aluna de teatro musical, voz em formação na School of Rock, finalista de programa de TV, além de artista selecionada para uma oportunidade ligada a um dos maiores programas de talentos dos Estados Unidos. No Francamente, em conversa com Tainan Franco, ela revisita essas histórias com humor, sinceridade e uma maturidade que não apaga a leveza de quem ainda está construindo a própria trajetória.

    Da “Iarinha Kiss” à School of Rock

    A relação de Iarah com o rock começou ainda na infância. Aos quatro anos, ela já era fã de Kiss, frequentava a 89 Rádio Rock e chegou a ganhar o apelido de “Iarinha Kiss”. Na entrevista, ela conta histórias que parecem roteiro de filme: vinheta gravada na rádio, ida ao show da banda ainda criança e até aniversário infantil com banda cover de Kiss.

    Iarinha – fonte: Yotube (https://youtu.be/bozjVQSuBO8)

    Antes de assumir a música como caminho principal, ela passou pela publicidade, pelo teatro e pelo teatro musical. Essas experiências ajudaram a construir presença de palco, projeção vocal e familiaridade com a performance.

    Em 2019, entrou na School of Rock, inicialmente por causa de uma montagem do musical School of Rock. A ideia era aprender baixo para um teste, mas a escola acabou se tornando decisiva em sua trajetória musical. Foi ali que ela se descobriu melhor como cantora, percebeu a força dos graves de sua voz e precisou reaprender o equilíbrio entre potência, técnica e cuidado vocal.

    Técnica, palco e televisão

    A entrevista mostra uma artista jovem, mas muito consciente de que cantar exige trabalho. Iarah fala sobre estudo vocal, respiração, belting, extensão, graves, agudos e o cuidado necessário para não transformar potência em excesso de peso na voz.

    Esse amadurecimento também passou pela televisão. Depois de tentar diferentes programas musicais, ela chegou ao Canta Comigo Teen, onde levantou os 100 jurados em uma das apresentações e chegou à final. A experiência não terminou com a vitória, mas abriu portas, rendeu entrevistas e novas oportunidades.

    No programa, Iarah também se aproximou de nomes ligados ao rock e ao metal, como Bruno Sutter, citado com carinho na conversa — e no episódio contado a seguir.

    A viagem que quase foi

    Selecionada para o AllStars, programa da School of Rock que reúne alunos de destaque para apresentações nos Estados Unidos, Iarah mobilizou uma campanha para conseguir viajar. Fez vaquinha, movimentou as redes, pediu apoio e conseguiu reunir o valor necessário praticamente na semana da viagem, com apoios que incluíram até uma contribuição de Bruno Sutter.

    Ela embarcou com a mãe, fez escala no Panamá e estava a caminho dos Estados Unidos quando a viagem precisou ser interrompida antes de chegar ao destino. Na entrevista, Iarah conta que o episódio envolveu uma denúncia anônima sobre supostas inconsistências no visto — informação que foi posteriormente desmentida na embaixada, mas que naquele momento foi suficiente para impedir o embarque. A situação também se cruzava com outra oportunidade internacional: a aprovação para o America’s Got Talent.

    A história, contada no Francamente entre frustração e bom humor, ficou como um dos grandes perrengues de uma trajetória ainda jovem, mas já cheia de tentativas, portas abertas e recomeços.

    Do metal em inglês ao pop rock em português

    Durante muito tempo, Iarah imaginou sua carreira autoral ligada ao metal em inglês. Ela chegou a lançar duas músicas nesse estilo, mas uma conversa com o produtor Thiago Bianchi abriu outro caminho.

    Depois de ouvi-la em um contexto da School of Rock, Thiago propôs produzir um álbum e sugeriu uma mudança: em vez de seguir pelo metal em inglês, buscar um caminho mais próximo do pop rock em português.

    Capa de “Não me Olhe assim”, single no Spotify. Fonte: https://open.spotify.com/intl-pt/album/45irmK7pysqP5tnNLBmaYh

    No começo, Iarah resistiu à ideia. O inglês parecia mais próximo das referências que ela consumia e também oferecia certa proteção emocional. Escrever em português, como ela reconhece na entrevista, expõe mais. A língua materna deixa tudo mais direto.

    A transição exigiu tempo. Ela estudou composição, passou pelo Midas Academy, escola de Rick Bonadio, trabalhou melodias, letras e estruturas musicais, até começar a encontrar uma forma mais própria de escrever.

    Cantar em primeira pessoa

    A fase atual de Iarah parece ser menos sobre escolher um rótulo e mais sobre construir uma linguagem. Rock, metal, teatro musical, pop rock e televisão fazem parte de sua formação, mas agora aparecem filtrados por uma busca autoral.

    Na entrevista, ela fala sobre músicas já lançadas, como “Judas”, “Ignorância” e “Não me Olha Assim”, além do próximo lançamento, “Ao Menos Uma Vez”. A nova faixa, segundo ela, fala sobre luto e integra uma sequência de lançamentos que deve formar um álbum.

    O mais interessante é acompanhar esse momento de passagem: Iarah deixa de ser apenas a jovem intérprete de grandes referências para se afirmar como artista que escreve, escolhe, testa caminhos e aprende a cantar a própria história.

    Assista à entrevista no Youtube:

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